アートを制作する際、自然な描写から離れ、線や形、色、特徴を変えてみるとしたらどうでしょうか？
ビジュアルアートにおけるクリエイティブなスタイライゼーション（様式化）とは、周囲の現実の現象や事物に対する作者独自のビジョンとアーティスティックな再創造を意味し、その結果として生まれる新しい表現のことを指します。この手法では、明瞭な視覚的知覚を妨げる余分で些末な要素をイメージから取り除くことで、描かれた対象の本質を明らかにし、これまで隠れていた美しさや性質に注目を集め、それに見合った感情的な強度を呼び起こす必要があります。スタイライゼーションは、ある意味でアートモチーフを鑑賞者にとってより理解しやすいものにするため、今日ではグラフィックデザインやインテリアデザインで広く使われています。
1979年版の『ソビエト大百科事典』は、スタイライゼーションを「線・形・空間や色彩の関係性の単純化を含む、さまざまな慣習的技法による人物や事物の装飾的一般化」と見事に説明しています。
ここからは、この手法の基本と習得方法について考えてみましょう。
スタイライゼーションの種類と、それが絵にもたらすもの
スタイライゼーションには意図的なものがあります。例えば、事前のスケッチなどを通して対象を探求し、集めた情報をもとに、その特徴的な部分を強調してイメージを構築する場合です。一方で、直感的なものもあります。偶然に生まれたシルエットが、元となる対象の特徴を認識できる、あるいは誇張した形で持っている場合です。子どもが世界を描くとき、よくこの方法が使われます。子どもはどんなに複雑な対象でも単純化できます。誰もが知っている、短くて不規則な線で描かれた棒人間がその一例です。
この技法が事前に用意されたスケッチに適用されるか、その場で特定のスタイルで一気に描かれるかにかかわらず、最終的な作品は概して、簡潔で、幾何学的で、風変わりで、色彩豊かで、感覚的な印象を持ちます。
アーティスティック・スタイライゼーションの代表的な手法：
・平面性（立体的な奥行きの欠如）
・単純化された形
・特徴的な要素の不自然なプロポーション
・ディテールの強弱の変化
・非現実的なほど鮮やかな色彩やテクスチャー
前述の通り、クリエイティブなスタイライゼーションの目的は、より高い表現力と装飾性を備えた新しいイメージを生み出すことにあります。それは自然や身の回りの実在の対象を超えたものであり、時には元の対象との類似性を完全に失うこともあります。しかし、模倣的な形をとる場合、つまり特定の作家、ジャンル、運動、時代、文化のスタイルを意図的に模倣する場合であっても、それは単なる複製であってはいけません。あるスタイルを再現する際には、新しいストーリー、色彩に対する独自の視点、全体的な構成上の解決策など、自分自身の個性や文脈をその作品に持ち込むよう努めることが重要です。一般的に、この芸術的な新規性の度合いこそが、スタイライズされた作品の価値を大きく左右します。
左から順に：古代ペルー陶器の例、アンリ・マティス「金魚のいる静物」、パブロ・ピカソ「水差しと果物鉢」、グスタフ・クリムト「生命の樹 III」、キース・ヘリング「自由の女神」（画像：principlearttalk.com）
アートにおけるスタイライゼーションの起源は、古代の洞窟壁画や中世の時代、例えば聖人像を特徴的に引き伸ばしたシルエットなどにまでさかのぼります。芸術的手法としてのスタイライゼーションは、アッシリア・バビロニア、ペルシャ、古代エジプト、古代ギリシャの装飾において高い水準に達しました。そこでは幾何学的な線や模様とともに、実在または架空の動植物、そして人物の姿が高い技術とセンスをもって描かれることが少なくありませんでした。時代が下るにつれ、多くの芸術家の目標はミメーシス（美・真実・善の模範とされる物理世界との対応関係に基づいて芸術作品を創作するという考え方）の強化へと向かい、ルネサンスから19世紀にかけては、より高いリアリズムがスタイライゼーションに取って代わっていきました。19世紀に入り、印象派がアカデミックな伝統から離れ、色彩と光の実験へと焦点を戻したとき、意図的なスタイライゼーションへの関心が再燃し、認識可能な対象の描写を、色・線・形そのものを楽しむための土台として用いる動きが生まれました。
アートにおけるスタイライゼーションの始め方
スタイライゼーションの実践は簡単であると同時に難しいものでもあります。アートにおけるルールや原則をはっきりと理解した上で、それらを一度リラックスして忘れる必要があります。ポイントは、自分が何を無視しているのかを正確に理解していれば、そこに自由が生まれ、素人っぽく見えることもないという点です。
つまり、スタイライゼーションで上達したいなら、まずはデッサンや絵画の基礎的なスキルを身につける必要があります。それは、私たちが生きるこの環境における調和と描写の法則を知るということです。静物画から肖像画まで、一つのジャンルに限定せず、さまざまなジャンルを探求し、取り組んでみることをおすすめします。多様性は、自分にとって何が最も近いのかを見つける助けになり、必要であれば特定の分野をさらに深く掘り下げることにもつながります。そしてスタイライゼーションは、構成の基礎、線のスタイル、動きと静けさに大きく依存する、装飾絵画やアヴァンギャルド、抽象主義へとつながる道でもあります。
さて、本題に入りましょう。写実的なイメージを表現豊かで感情的な対象へと変換するには、まずその中で最も重要なもの、他とは違う点は何かに意識を集中させます。余計なディテールをすべて脇に置き、その形の本質を見つめます。そして、点、線、面といった手段だけを使って作品を描いていきます。連想的な思考を働かせ、記憶に蓄積された経験を引き出すことで、そっくりそのままの複製になることを避けられます。ある程度の輪郭が得られたら、それを最終的な形と色に仕上げていきます。色は、局所的かつコントラストの強い形で、時には対象にとって意外な色合いで使うこともできます。必要だと感じれば、装飾的な要素を加えてもよいでしょう。その際、最終的な絵は、最初に選んだ元の対象を彷彿とさせるものであるべきです。初心者には、まずシンプルな植物や動物のスケッチを描くことから、この技法を学ぶのがおすすめです。
人物像のスタイライゼーション
人物にスタイライズされた見た目を与える方法はいくつかあります。ファッションイラストレーションはその顕著な例の一つです。デザイナーはアイデアをスケッチする際、モデルの身長を高くしたり、体のプロポーションをデフォルメしたりすることがよくあります。極端に細いウエスト、引き伸ばされた首や手足などです。この技法によって、その人物ならではの個性を強調することができます。
左から順に：エリー・サーブ（エリー・サーブのための）、カール・ラガーフェルド（フェンディのための）、ユベール・ド・ジバンシィ（ジバンシィのための）によるファッションスケッチ （画像：shilpaahuja.com）
もう一つのよく知られた例は、カリカチュアやグロテスクです。これらの絵の中の人物は、顔のパーツが不釣り合いであっても——異常に大きな口や鼻、拡大された目やまつ毛など——依然としてはっきりと本人だと分かります。プロのアーティストは、その人物の性格を伝え、独自の特徴を非常に正確に捉えるため、誰がモデルになっているのかを見極めるのに苦労はしません。こうした技法は、アニメーションにおいて大胆な色使いと組み合わせてよく使われます。
ジョン・カシュトによるカリカチュア肖像画 （画像：johnkascht.com）
スタイライゼーションを通じて、アーティストは自分だけの空想の世界を作り出します。その世界のすべての要素は、自然界の中にそれぞれの原型を持っています。
アンドレイ・アドノ氏がSketcharで制作したスタイライズされた肖像スケッチ
現実をドキュメンタリー的に再現することにこだわらず、単純化を用いてメッセージを視覚的に伝える能力は、積み重ねた経験と絶え間ない練習から生まれます。Sketcharでは、アートの道を歩み始めたばかりの方や、時間を節約したいと考えている方をサポートすることの大切さを理解しています。AI Portraits機能は、ニューラルネットワークを使ってスタイライゼーションに取り組む方法を示す、私たちなりのアプローチです。このクリエイティブなツールを使えば、数秒で二つの世界を橋渡しすることができます。あなた自身や他の人のポートレート写真を、まるで本物のアーティストが手がけたかのように、コミック調、カートゥーン調、アニメ調、筆致調など、さまざまなイラストへと変換できるのです。これにより、自然環境の中の対象——人物——を違った角度から見ることができ、普段は表現力や意味を感じにくいような部分に目を向けられるようになります。そうすることで、それを自分自身の手で、アーティストのシンボルという形で新たに作り出すための目を養うことができます。
スマートフォンを使って写真をスタイライズし、テクノロジーを通じて想像力を広げてみましょう。同時に、基礎的な技術が自分の一部となり、新たな創造の道へと導いてくれるよう、正しいデッサンの習慣を身につけて、アート的な直感を育てることも忘れないでください。
SketcharのAI Portraitsツールを使って写真から作成されたイラスト
Sketcharアプリ（iOSとAndroidで利用可能）で、あなたの好奇心のままに進んでみましょう。
投稿のカバー画像には、Vadim Sloof氏がSketcharで制作したアートが使用されています。
