Was, wenn du dich beim Kunstschaffen von der natürlichen Bildwelt entfernst und Linien, Formen, Farben und Merkmale veränderst?
Kreative Stilisierung in der bildenden Kunst bedeutet die künstlerische Vision und schöpferische Neuerfindung von Erscheinungen oder Objekten der umgebenden Realität und damit deren neuartige Darstellung. Die Methode erfordert, das Bild von allem Überflüssigen, allem Nebensächlichen zu befreien, das die klare visuelle Wahrnehmung stört, um das Wesen der dargestellten Objekte offenzulegen, die Aufmerksamkeit auf ihre bisher verborgene Ästhetik oder Natur zu lenken und eine entsprechende emotionale Intensität hervorzurufen. Stilisierung macht das künstlerische Motiv in gewissem Sinne für den Betrachter verständlicher, weshalb sie heute im Grafikdesign und in der Innenarchitektur breit eingesetzt wird.
Die Große Sowjetische Enzyklopädie von 1979 beschrieb Stilisierung treffend als „die dekorative Verallgemeinerung von Figuren und Objekten mittels verschiedener konventioneller Techniken, einschließlich der Vereinfachung von Linie, Form sowie Raum- und Farbbeziehungen“.
Nun möchtest du dir vielleicht die grundlegenden Details dieser Praxis ansehen und wie man sie meistert.
Arten der Stilisierung und was sie dem Bild verleiht
Stilisierung kann bewusst erfolgen – wenn du ein Objekt zum Beispiel mithilfe vorbereitender Skizzen erforschst und anhand der gesammelten Informationen ein Bild aufbaust, das die charakteristischen Merkmale betont. Sie kann aber auch intuitiv geschehen – wenn dir zufällig eine Silhouette gelingt, die erkennbare oder sogar übertriebene Merkmale des Vorbilds zeigt. So stellen Kinder oft die Welt dar. Sie sind in der Lage, jedes noch so komplexe Objekt zu vereinfachen: Jeder kennt das Strichmännchen, das mit kurzen, unregelmäßigen Linien gezeichnet wird.
Unabhängig davon, ob diese Technik auf eine im Voraus vorbereitete Skizze angewendet oder direkt in einer bestimmten Manier ausgeführt wird, hat das fertige Werk meist ein prägnantes, geometrisches, exzentrisches, farbenfrohes und sinnliches Erscheinungsbild.
Die gängigsten Methoden der künstlerischen Stilisierung:
• Flächigkeit (fehlende dreidimensionale Tiefe),
• vereinfachte Formen,
• unnatürliche Proportionen markanter Elemente,
• stärkere oder geringere Variation der Details,
• unrealistisch kräftige Farben und Texturen.
Wie bereits erwähnt, besteht das Ziel kreativer Stilisierung darin, ein neues Bild mit gesteigerter Ausdruckskraft und Dekorativität zu erschaffen, das über der Natur, über den realen Objekten der Umgebung steht und manchmal jegliche Ähnlichkeit mit dem Original vollständig verliert. Doch selbst wenn Stilisierung eine nachahmende Form annimmt, also bewusst den Stil eines bestimmten Autors, Genres, einer Strömung, Epoche oder Kultur imitiert, sollte sie keine direkte Kopie sein. Beim Nachempfinden eines Stils ist es wichtig, die eigene Individualität und den eigenen Kontext einzubringen, etwa durch eine neue Geschichte, eine eigene Farbvision oder eine eigenständige kompositorische Lösung. Der Grad der künstlerischen Neuheit ist in der Regel entscheidend für den Wert eines stilisierten Kunstwerks.
Von links nach rechts: ein Beispiel altperuanischer Keramik; Henri Matisse | „Chat aux Poissons Rouges“; Pablo Picasso | „Pitcher and Bowl of Fruit“; Gustav Klimt | „Der Lebensbaum III“; Keith Haring | „Statue of Liberty“ (Bilder via principlearttalk.com)
Die Anfänge der künstlerischen Stilisierung reichen zurück bis in die Zeit der frühen Höhlenmalereien und ins Mittelalter, etwa in Form der bewusst gestreckten Silhouetten von Heiligen. Als künstlerische Methode erreichte die Stilisierung ein hohes Niveau in assyrisch-babylonischen, persischen, altägyptischen und altgriechischen Ornamenten, in denen neben geometrischen Linien und Mustern häufig Pflanzen- und Tierwelt, real wie erdacht, sowie menschliche Figuren mit großem Können und Geschmack dargestellt wurden. Mit der Zeit wurde für viele Künstler eine stärkere Mimesis zum Ziel (eine Vorstellung, die das Schaffen von Kunstwerken an der physischen Welt als Maßstab für Schönheit, Wahrheit und Güte ausrichtete), und ein zunehmender Realismus begann, die Stilisierung in der Kunst zu verdrängen (von der Renaissance bis ins 19. Jahrhundert). Als sich der Impressionismus im 19. Jahrhundert von den akademischen Traditionen abwandte und den Fokus zurück auf das Experimentieren mit Farbe und Licht lenkte, entfachte dies ein neues Interesse an bewusster Stilisierung und an der Darstellung erkennbarer Objekte als Plattform, um zugleich Farbe, Linie und Form zu genießen.
Erste Schritte in der künstlerischen Stilisierung
Die Praxis der Stilisierung ist gleichzeitig einfach und herausfordernd. Du musst dich entspannen und alle Regeln und Prinzipien der Kunst vergessen – während du sie genau kennst. Der Punkt ist: Ein präzises Verständnis dessen, was du außer Acht lässt, gibt dir Freiheit und lässt dich nicht wie einen Anfänger wirken.
Daraus folgt: Wer in der Stilisierung glänzen will, braucht grundlegende Zeichen- und Malfertigkeiten – das heißt, man muss die Gesetze der Harmonie und der Darstellung unserer Umwelt kennen. Wir empfehlen, verschiedene Genres zu erkunden und zu üben, vom Stillleben bis zum Porträt, ohne sich auf eine Sache zu beschränken. Vielfalt hilft dir herauszufinden, was dir am nächsten liegt, und dich bei Bedarf in einen bestimmten Bereich zu vertiefen. Stilisierung wiederum ist der Weg zur dekorativen Malerei, zur Avantgarde, zum Abstraktionismus, die stark auf den Grundlagen der Komposition, dem Linienstil, Dynamik und Statik beruhen.
Aber kommen wir zur Sache. Um ein realistisches Bild in ein ausdrucksstarkes und emotionales Objekt zu verwandeln, konzentriere dich zunächst darauf, was daran am wichtigsten ist, was es von anderen unterscheidet. Betrachte die Natur seiner Form und lasse alle überflüssigen Details beiseite. Dann zeichne dein Werk nur mit Mitteln wie Punkten, Linien und Flecken. Indem du dein assoziatives Denken aktivierst und auf gespeicherte Erfahrungen aus deinem Gedächtnis zurückgreifst, vermeidest du exakte Wiederholung. Sobald du eine bestimmte Kontur erhalten hast, arbeite sie zur endgültigen Form und Farbe aus, die übrigens lokal und kontrastreich, sogar in für das Objekt ungewöhnlichen Farbtönen aufgetragen werden kann. Du kannst auch dekorative Elemente hinzufügen, wenn du meinst, dass sie jetzt gebraucht werden. Dabei sollte sich dein fertiges Bild noch wie das ursprünglich gewählte Vorbild anfühlen. Anfängern empfiehlt es sich, diese Kunst anhand einfachster Pflanzen- oder Tierskizzen zu erlernen.
Stilisierung menschlicher Darstellungen
Es gibt mehrere Wege, einer Person ein stilisiertes Aussehen zu verleihen. Modeillustration ist eines der eindrucksvollsten Beispiele. Beim Skizzieren ihrer Ideen greifen Designer meist darauf zurück, die Körpergröße des Modells zu strecken und die Körperproportionen zu verzerren: extrem schmale Taille, verlängerter Hals und Gliedmaßen. Mit dieser Technik lässt sich die Individualität einer bestimmten Person betonen.
Von links nach rechts: Modeskizzen von Elie Saab (für Elie Saab), Karl Lagerfeld (für Fendi), Hubert de Givenchy (für Givenchy) (Bilder via shilpaahuja.com)
Ein weiteres bekanntes Beispiel sind Karikaturen und Groteskdarstellungen. Die Person auf diesen Bildern bleibt absolut erkennbar, obwohl die Gesichtszüge unproportioniert sein können: ein ungewöhnlich großer Mund oder eine große Nase, vergrößerte Augen und Wimpern. Profis gelingt es, den Charakter so treffend zu vermitteln und die einzigartigen Merkmale so präzise einzufangen, dass es kaum Mühe kostet zu erkennen, wer gemeint ist. Solche Techniken werden häufig in der Animation eingesetzt, gepaart mit mutigen Farblösungen.
Karikaturporträts von John Kascht (Bild via johnkascht.com)
Durch Stilisierung erschafft der Künstler seine eigene Fantasiewelt, in der alles sein Vorbild in der natürlichen Umgebung hat.
Stilisierte Porträtskizzen von Andrey Adno, erstellt mit Sketchar
Die Fähigkeit, eine Botschaft visuell zu vermitteln, ohne sich an der dokumentarischen Wiedergabe der Realität festzuhalten, und dabei Vereinfachung zu nutzen, entsteht durch gesammelte Erfahrung und ständige Übung. Bei Sketchar wissen wir, wie wichtig es ist, denjenigen zu helfen, die am Anfang ihres künstlerischen Wegs stehen oder einfach Zeit sparen möchten. Die Funktion AI Portraits ist unser Weg, zu zeigen, wie man mithilfe neuronaler Netze mit Stilisierung arbeitet. Mit diesem kreativen Tool kannst du die beiden Welten in Sekunden verbinden: Verwandle Porträtfotos von dir oder anderen Personen in verschiedenste Arten von Illustrationen (mit Comic-, Cartoon-, Anime- oder Pinsel-Effekten) – genau wie es echte Künstler tun. Das eröffnet einen anderen Blick auf das Objekt aus der natürlichen Umgebung – eine Person – und lenkt die Aufmerksamkeit auf bestimmte Dinge, die sonst vielleicht nicht ausdrucksstark oder bedeutungsvoll erscheinen, und schult so dein Auge, es neu zu erschaffen, aber auf deine eigene Art – als künstlerisches Symbol.
Stilisiere Fotos mithilfe deines Smartphones und erweitere deine Vorstellungskraft durch Technologie. Vergiss dabei nicht, deine künstlerische Intuition weiterzuentwickeln, indem du dir gute Zeichengewohnheiten aneignest, sodass alle Grundlagen zur zweiten Natur werden und dich zu neuen kreativen Wegen führen.
Illustrationen, die aus dem Foto mit dem Sketchar-Tool AI Portraits erstellt wurden
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Das Titelbild des Beitrags zeigt ein Kunstwerk von Vadim Sloof, erstellt mit Sketchar.
