Was ist Pop-Art?
Pop-Art (kurz für Popular Art) ist eine Bewegung in der bildenden Kunst Westeuropas und der USA, die sich Mitte der 1950er bis Ende der 1960er Jahre entwickelte – als Reaktion auf die Vorherrschaft der traditionellen „hohen Kunst“ der Vergangenheit und den zutiefst persönlichen abstrakten Expressionismus, der nur für die „Elite“ bestimmt war.
Dieser Stil vertrat die Idee, sich der Realität zuzuwenden – nicht der Fantasie des Künstlers. Pop-Art-Künstler hatten das Gefühl, dass das, was ihnen an Kunstschulen beigebracht wurde und was in Museen ausgestellt war, nichts mit ihrem Leben zu tun hatte. Stattdessen ließen sie sich von der zeitgenössischen Massenkultur inspirieren: Werbung, Produktverpackungen, Fernsehen, gesellschaftliche Klischees, Idole, Hollywoodfilme, Popmusik und Comics. Unter den Wegbereitern der Pop-Art fanden sich häufig Kreative, die selbst beruflich aus diesen Bereichen kamen.
Wie entstand die Pop-Art-Bewegung?
Pop-Art entstand Mitte der 1950er Jahre in Großbritannien, London, als sich eine Gruppe kreativer Denker und Praktiker zur Independent Group zusammenschloss (eine Vereinigung, deren Mitglieder den Einfluss von Technologie, Massenkultur und Werbung auf die zeitgenössische Kunst untersuchten). Dazu gehörten die Künstler Richard Hamilton, Nigel Henderson, John McHale, Eduardo Paolozzi sowie die Architekten Peter und Alison Smithson, James Stirling und andere. Ihre Werke hatten großen Einfluss auf die weitere Entwicklung der Bewegung. Ende der 1950er Jahre verbreitete sich die Pop-Art, in leicht abgewandelter Form, in Amerika und erreichte in den 1960er Jahren ihren Höhepunkt. Es sei angemerkt, dass die Verschmelzung von bildender Kunst und Massenkultur (etwa Plakatwänden, Verpackungen und Printwerbung) in gewisser Weise schon lange vor dieser Zeit begann – vor etwa 100 Jahren.
Mitglieder der Independent Group: Nigel Henderson, Eduardo Paolozzi, Alice und Peter Smithson, 1956 (Bild via curatingthecontemporary.org)
Die aktive Pop-Bewegung begann während der kulturellen Revolution Mitte des 20. Jahrhunderts. Nach dem wirtschaftlichen und politischen Aufschwung der Nachkriegszeit begannen Aktivisten, Vordenker und Künstler, die Grenzen der Konformität zu sprengen und alles neu zu definieren – von Bürgerrechten und Frauenrechten bis hin zu Massenmedien und der Kunst selbst. Es war eine Herausforderung an die Tradition.
Auch wenn ähnliche Themen sie beflügelten, ist es wichtig, klar zwischen britischer und amerikanischer Pop-Art zu unterscheiden. Die frühe britische Pop-Art wurde stark aus der Ferne beeinflusst – insbesondere von der amerikanischen Populärkultur, während die amerikanischen Künstler von dem angeregt wurden, was sie in ihrer eigenen Gesellschaft sahen und erlebten.
In den Vereinigten Staaten war der Pop-Stil eine Rückkehr zur gegenständlichen Kunst, die die Welt auf erkennbare Weise darstellte und dabei unpersönliche, bodenständige Bildsprache nutzte. Er tendierte dazu, plakativ, anonym und aggressiv zu sein.
Im Vereinigten Königreich war die Bewegung in ihrem Ansatz akademischer geprägt. Durch den Einsatz von Ironie und Parodie konzentrierte sie sich darauf, wofür der glänzende amerikanische Traum stand und wie er das Leben der Menschen manipulieren konnte.
Richard Hamiltons Collage „Just What Is It That Makes Today's Homes So Different, So Appealing?“, die größtenteils aus Bildern amerikanischer Illustrierten besteht, gilt offiziell als das erste echte Pop-Art-Werk. Sie wurde ursprünglich für den Katalog geschaffen und als eines der Plakate für die Ausstellung „This is Tomorrow“ 1956 in der Whitechapel Art Gallery, London, verwendet (Bild via art-dot.ru)
Welche Merkmale hat die Pop-Art gemeinsam?
Diese Kunstform ist leicht an ihrer Schwungkraft und ihren einzigartigen künstlerischen und konzeptionellen Merkmalen zu erkennen, die Künstler zuvor in ihren Arbeiten zu vermeiden versuchten.
Pop-Art erkennt man oft an:
- Kräftigen, gesättigten und kontrastreichen Farben, die nicht die innere Welt oder Persönlichkeit des Künstlers symbolisieren, wie es bei früheren, klassischen Kunstformen oft der Fall war, sondern die lebendige, beliebte Lebensweise ihrer Umgebung widerspiegeln.
- Sehr vertrauten Alltagsgegenständen sowie Berühmtheiten, Comicfiguren und bekannten Markenlogos, die die Idee bekräftigen, dass Kunst von allem und jedem inspiriert sein kann – nicht nur von Geschichte, Mythologie oder Moral.
- Bahnbrechenden Techniken (z. B. Siebdruck, Lithografie), der Mischung vieler untypischer Materialien und sogar der Satire durch die Vergrößerung von Objekten auf nahezu komische Proportionen.
- Dem Fehlen einer fiktiven Handlung und tiefer Bedeutung. Ungewöhnliche und bedeutungslose Kombinationen von „gefundenen“ oder vorgefertigten Objekten und Bildern populärer, politischer oder gesellschaftlicher Phänomene werden häufig in Collagen gezeigt, arrangiert in einem künstlerischen Prozess namens Appropriation (das Kopieren, Ausleihen oder Verändern von Bildern oder Objekten aus der Massenkultur).
- Der visuellen Ähnlichkeit zu Werbung, da sich Pop-Art-Künstler an Prozessen aus der Designbranche wie kommerziellem Siebdruck und stark grafischen Layouts bedienen, die Flyer, Plakatwände, Kataloge und ähnliches Marketingmaterial nachahmen – ein fester Bestandteil der modernen Welt.
Wer sind legendäre Pop-Art-Künstler?
Die folgenden Persönlichkeiten zählen zu denen, die als die ursprünglichen Pop-Art-Künstler die Bewegung geprägt haben.
Richard Hamilton, Maler und Collagekünstler, wird gemeinhin als Gründervater der britischen Pop-Art bezeichnet, da er die Ziele und Ideen der Bewegung umriss. Er glaubte, dass Kunst nicht nur für Galerien und Ausstellungen bestimmt sei, sondern eine Lebensweise – so trug er dazu bei, Kunst massentauglich zu machen.
Richard Hamilton | I'm Dreaming of a Black Christmas, 1971 (Bild via americanart.si.edu)
Andy Warhol, ein amerikanischer Künstler, Filmregisseur und Produzent, gilt wohl als der bekannteste Vertreter dieses Stils. Wie viele andere begann er als Zeitschriftenillustrator und Schaufenstergestalter. Später nutzte Warhol seinen Promistatus, um die Pop-Art in andere künstlerische Bereiche zu tragen: Er gilt oft als Pionier des unabhängigen Films.
Andy Warhol | Marilyn Monroe, 1967 (Bild via masterworksfineart.com)
David Hockney ist einer der einflussreichsten britischen Künstler des 20. Jahrhunderts. Er arbeitet in verschiedensten Disziplinen, darunter Druckgrafik, Fotografie und Bühnenbild, ist aber vor allem für seine Porträts und beeindruckenden Darstellungen der heißen Los-Angeles-Sommer am Pool bekannt.
David Hockney | Pool with Two Figures, 1972 (Bild via wallpaper.com)
Roy Lichtenstein machte Comics zum Mittelpunkt seines künstlerischen Schaffens und zu einem Kunstwerk als Ganzes. Seine ersten Arbeiten schuf er anhand von Bildern aus Cartoons und Comics, die er mit Öl- und Acrylfarben malte, um den Zeitungsdruck nachzuahmen.
Roy Lichtenstein | Whaam!, 1963 (Bild via amorosart.com)
Jasper Johns war einer der Pioniere der Pop-Art in den 1950er Jahren. Die Welt erfuhr zuerst von ihm durch seine Gemälde der amerikanischen Flagge sowie durch Grafiken mit Zielscheiben und Zahlen. Er widmete sich auch der Bildhauerei.
Jasper Johns | Three Flags, 1958 (Bild via ideelart.com)
Wayne Thiebaud ist ein amerikanischer Maler, der vor allem für seine farbenfrohen Stillleben von Süßigkeiten und Alltagsgegenständen bekannt ist: Kuchen, Tortenstücke, Bonbons und die geschwungenen Straßen San Franciscos.
Wayne Thiebaud | Candies, 1965–1966 (Bild via artsy.net)
Viele zeitgenössische Pop-Art-Künstler halten die Bewegung nicht nur am Leben, sondern lassen sie florieren. Zu den heute bewunderten Pop-Art-Künstlern zählen etwa Jeff Koons, Alex Katz und Yayoi Kusama.
Was ist die Kernbotschaft der Pop-Art?
Einer der bemerkenswertesten Aspekte der Pop-Art war, dass die Künstler die Unterscheidung zwischen „niederer“ und „hoher“ Kunst untergruben, indem sie die Kluft zwischen Populärkultur und klassischer Kunst schlossen und dadurch die herkömmlichen Vorstellungen davon, was Kunst ausmacht und was es überhaupt bedeutet, Künstler zu sein, neu dachten.
Andy Warhol wies darauf hin, dass Künstler sich weigerten, all die großartigen modernen Dinge wahrzunehmen, die jedem anderen auffielen, und betonte damit das Phänomen, dass die Kunst jener Zeit völlig vom echten Leben und den echten Menschen abgekoppelt war; die Besessenheit vom Pinselstrich hatte eine Atmosphäre der Exklusivität geschaffen.
Doch modernistische Kritiker waren entsetzt über die Verwendung solch „niederer“ Themen durch die Pop-Art-Künstler und über deren unkritische Haltung dazu. Sie hielten Pop-Art für zu primitiv, für eine Verbreitung von Vulgarität und Kitsch, und befürchteten, dass dies zur Entstehung einer konformistischen, seelenlosen Gesellschaft führen könnte, die sich für nichts anderes interessiert als den täglichen Konsum von Waren und Dienstleistungen.
Vertreter der Pop-Art erklärten das Wesen ihrer Bewegung damit, dass sie die Massenkultur nicht idealisieren wollten, sondern deren Objekte so darstellten, wie sie wirklich sind, und ihre Kunst auf das konzentrierten, was jedem modernen Menschen absolut vertraut ist: Filme, Werbung, Fernsehen, Konsumgüter.
Die Pop-Art-Bewegung hat sich als wertvoll erwiesen, weil sie Kunst den Massen zugänglich machte – nicht nur der Elite. Da sich der Stil von kommerziellen Figuren und kulturellen Momenten inspirieren ließ, erhielten die Werke Anerkennung und Respekt in der breiten Öffentlichkeit. Endlich gab es eine Art von Kunst, die als „Kunst für das Volk“ galt.
Nach und nach beeinflussten die Werke der Pop-Art-Künstler auch andere kreative Branchen: Einige davon werden von Designern in der Bekleidungsproduktion und der Innenraumgestaltung eingesetzt.
Tatsächlich hat Pop-Art die Kunst nicht nur in neue thematische Bereiche geführt, sondern auch neue Wege der künstlerischen Präsentation eröffnet, und kann als eine der ersten Ausprägungen der Postmoderne betrachtet werden.
Zeichnungen, erstellt mit Sketchar von Kathll, Anya und Nathalia
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Das Titelbild verwendet Kunst von Ira Paisley, erstellt mit Sketchar.
