Vous avez sans doute déjà croisé des œuvres disproportionnées, primitives, en apparence même bâclées, mais touchantes et sincères, qui rappellent des dessins d’enfants. En réalité, elles sont l’œuvre d’adultes, représentants de l’art naïf.
À l’origine, l’art naïf désignait toute forme d’art visuel reflétant une vision fraîche et innocente du monde, créée par une personne qui n’avait pas ou refusait les connaissances traditionnelles pour représenter des objets réels. Mais cette description valait surtout pour le XXe siècle, car au XXIe siècle sont apparues des institutions dédiées aux questions liées à l’art naïf. Le genre est aujourd’hui reconnu dans le monde entier et représenté dans des musées spécifiques ainsi que dans de nombreuses galeries.
Néanmoins, la principale caractéristique distinctive du mouvement reste le non-respect des principes formels de l’art. Les artistes naïfs, le plus souvent, ne :
• réduisent pas proportionnellement l’échelle des objets avec la distance ;
• n’atténuent pas les couleurs avec la distance ;
• ne diminuent pas la précision des détails avec la distance ;
• ne montrent aucun signe de source lumineuse ;
• ne construisent pas une anatomie correcte des humains ou des animaux.
En s’affranchissant de ces prétendues règles, les artistes naïfs créent des œuvres qui semblent « géométriquement fausses », avec des perspectives déformées et des formes brutes, un usage marqué du motif et des couleurs vives sans égard pour la composition, et une intensité dramatique aussi bien au premier plan qu’à l’arrière-plan.
Ils créent une autre réalité, d’une qualité surréaliste qui leur est propre.
L’art naïf est un courant assez ancien, et deux hypothèses existent quant à sa naissance. La première fait remonter ses débuts au tout début du XXe siècle, lorsqu’il fut pour la première fois reconnu comme un mode artistique à part entière, au même titre que les autres (plusieurs professionnels de l’avant-garde, du postmodernisme et de l’art conceptuel ont ouvertement reconnu l’art naïf comme source d’inspiration). L’autre hypothèse propose de remonter des dizaines de milliers d’années en arrière, à l’apparition des premières peintures rupestres – une époque où tout l’art aurait pu être qualifié de naïf selon les critères actuels.
Ce que l’on sait avec certitude, en revanche, c’est qu’au milieu du XXe siècle, la plupart des régions développées avaient déjà leurs propres artistes naïfs ayant acquis une certaine notoriété. L’une des figures clés du mouvement est le Français Henri Rousseau, dont les portraits, les scènes de jungle et la végétation exotique sont largement admirés.
Le Repas du lion par Henri Rousseau, vers 1907 | Un soir de carnaval par Henri Rousseau, 1886 (images via commons.wikimedia.org)
Rousseau a commencé à peindre sérieusement au début de la quarantaine et s’est pleinement consacré à l’art à 49 ans, après avoir pris sa retraite de son poste de douanier. Ses œuvres furent souvent tournées en dérision et sévèrement critiquées, surtout au début. Rousseau puisait son inspiration dans les livres pour enfants et les jardins botaniques de Paris, et affirmait même avoir inventé un nouveau style de « peinture-paysage-portrait », où il peignait d’abord une scène avant d’y ajouter une personne ou un animal au premier plan. L’artiste gagna en popularité auprès de ses pairs après sa première exposition au Salon des Indépendants de 1886 à Paris : l’une de ses œuvres fut montrée à Camille Pissarro (peintre impressionniste et néo-impressionniste danois-français) dans l’espoir de se moquer de Rousseau, mais le maître admira son style et loua le tableau. Il s’agissait d’« Un soir de carnaval ».
Un autre artiste naïf autodidacte tout aussi célèbre est le Géorgien Niko Pirosmani. Lui aussi n’obtint une reconnaissance internationale qu’après sa mort. Au début du XXe siècle, alors qu’il faisait ses premiers pas dans l’art, Pirosmani créait avec des peintures artisanales sur toile cirée, blanche ou noire. Là où il fallait appliquer certaines couleurs, l’artiste laissait simplement la toile cirée non peinte – c’est ainsi qu’il développa l’une de ses techniques fondamentales. Les œuvres de Pirosmani furent influencées par les conditions sociales de son époque et de son lieu de vie. Contrairement à d’autres artistes, Niko ne cherchait pas une imitation pure de la nature et ne prêtait aucune attention aux détails. Certaines de ses toiles sont monochromes.
Les Amis de Begos par Niko Pirosmani, années 1910 (image via commons.wikimedia.org)
Par ailleurs, de nombreux artistes travaillant à la même époque que Rousseau, ou juste après lui, ont élaboré leur propre forme d’art naïf, en partie nourrie par l’art populaire. Par exemple, Grandma Moses a débuté sa carrière artistique à 78 ans et s’est fait connaître pour sa fascination pour le réalisme américain ; Ivan Generalić dépeignait les scènes rurales de sa Croatie natale, teintées de connotations politiques – ils n’avaient que peu ou pas de formation, mais ont laissé leur expérience personnelle, leur héritage et leur culture enrichir leur œuvre.
Halloween par Grandma Moses, 1955 | Le Taureau rouge par Ivan Generalić, 1972 (images via wikiart.org)
L’essentiel dans l’art naïf, c’est que ses artistes ne cherchent pas à dessiner selon des règles. Ils créent selon leurs ressentis, avec une approche instinctive et sans inhibition du matériau, de la composition et de l’idée. C’est ce qui les distingue des artistes primitivistes : professionnels expérimentés, ces derniers emploient délibérément la simplification, façonnant leurs œuvres pour qu’elles paraissent maladroites. Marc Chagall, Paul Klee, Mikhaïl Larionov, Pablo Picasso, Henri Matisse avaient ce style de travail.
« Naïf » ne veut pas dire « stupide » ou « borné ». C’est plutôt un contraste avec l’art professionnel.
On trouve difficilement une naïveté absolue chez les artistes contemporains, étant donné la diffusion actuelle de l’autoformation comme moyen d’acquérir des connaissances spécialisées. Parmi les artistes vivants qui revendiquent ouvertement leur style naïf, on peut citer Gary Bunt, Lyle Carbajal, Gabe Langholtz, Gigi Mills, Barbara Olsen, Paine Proffitt, Alain Thomas.
L’équipe de SketchAR tient, de son côté, à mettre en avant une jeune créatrice – une fille originaire d’Inde nommée Krithika S. C’est une débutante qui s’est mise à créer pendant le confinement lié au Covid-19. En cherchant simplement à s’amuser, Krithika est tombée sur l’application SketchAR, puis a commencé à publier sur Instagram les dessins qu’elle réalisait avec son aide. Son activité créative a immédiatement suscité notre sympathie.
J’ai commencé le dessin comme passe-temps pour occuper mes matins et mes soirées, parce que rester chez moi aussi longtemps commençait à me stresser un peu.
Au début, je dessinais des choses assez génériques, à main levée. Puis j’ai peu à peu développé un intérêt pour les portraits de célébrités. Certains étaient réussis, d’autres pas du tout.
J’ai découvert SketchAR alors que j’essayais de dessiner mon amie pour lui faire une surprise le jour de son anniversaire. Au départ, je pensais faire un dessin à main levée, mais je n’avais pas le temps et j’avais peur du résultat.
Ma toute première création dans l’application a donc été un portrait de mon amie. Ensuite, j’ai trouvé que SketchAR était vraiment sympa et amusant. Ça m’a fait gagner beaucoup de temps, et le résultat final était aussi impressionnant que ce que j’espérais.
Jennifer Aniston dans le rôle de Rachel Green | Tom Ellis dans le rôle de Lucifer Morningstar | Hugh Laurie dans le rôle de Gregory House par Krithika S, 2020
La mission de SketchAR est de libérer le potentiel créatif de chacun, quel que soit son niveau de compétence artistique. L’important, c’est de faire le premier pas, ce qui est déjà en soi une réussite. Nous voulons que chacun se sente libre d’exprimer sa personnalité, ses émotions et ses idées, même si elles ne correspondent pas à des principes, des règles, des standards ou des normes particulières. Nous sommes en faveur des émotions vraies et de l’énergie sincère.
Les artistes naïfs méritent une attention et une reconnaissance particulières pour leur résilience, tout comme les autres. Apprenons au moins à les connaître. Nous espérons que cet article donnera envie à certains d’entre vous de visiter un musée, ou tout simplement de parcourir des œuvres en ligne, afin d’en savoir plus sur ce genre et, peut-être, de soutenir les entreprises audacieuses de certains artistes.
L’image de couverture de cet article utilise une œuvre de Krithika réalisée sur Sketchar.
