팝아트란 무엇인가?
팝아트(파퓰러 아트popular art의 줄임말)는 1950년대 중반부터 1960년대 후반까지 서유럽과 미국에서 나타난 시각예술 운동이다. 과거의 전통적인 “고급 예술”이 지배적이었던 것과, “엘리트”만을 위한 지극히 개인적인 추상표현주의에 대한 반작용으로 등장했다.
이 양식은 예술가의 상상이 아니라 현실에 주목하자는 생각을 내세웠다. 팝아트 작가들은 미술학교에서 배운 것과 미술관에 전시된 것이 자신들의 삶과는 아무 상관이 없다고 느꼈다. 대신 그들은 당대의 대중문화, 즉 광고, 상품 포장, 텔레비전, 사회적 고정관념, 아이돌, 할리우드 영화, 팝 음악, 만화책에서 영감을 얻었다. 팝아트의 선구자 중에는 이런 분야에서 전문적인 경력을 쌓은 사람들이 많았다.
팝아트 운동은 어떻게 시작되었나?
팝아트는 1950년대 중반 영국 런던에서, 창의적인 사상가와 실천가들이 모여 인디펜던트 그룹(기술, 대중문화, 광고가 현대 미술에 미치는 영향을 탐구한 단체)을 결성하면서 시작되었다. 이 그룹에는 화가 리처드 해밀턴, 나이젤 헨더슨, 존 맥헤일, 에두아르도 파올로치, 건축가 피터 스미드슨과 앨리슨 스미드슨, 제임스 스털링 등이 속해 있었다. 이들의 작업은 이후 이 운동이 발전하는 데 큰 영향을 미쳤다. 1950년대 후반, 팝아트는 조금 다른 형태로 미국으로 건너가 1960년대에 절정을 이루었다. 미술과 대중문화(광고판, 포장, 인쇄 광고 등)의 융합은 어떤 면에서는 그보다 훨씬 전, 약 100년 전부터 이미 시작되었다는 점도 짚고 넘어갈 만하다.
인디펜던트 그룹 멤버들: 나이젤 헨더슨, 에두아르도 파올로치, 앨리슨과 피터 스미드슨, 1956년 (이미지 출처: curatingthecontemporary.org)
활발한 팝 운동은 20세기 중반의 문화 혁명 속에서 시작되었다. 제2차 세계대전 이후 경제와 정치가 성장하는 호황기를 지나며, 활동가와 사상가, 예술가들은 시민권과 여성 해방부터 대중매체와 예술 자체에 이르기까지 모든 것을 재정의하기 위해 순응주의의 경계를 밀어붙이기 시작했다. 그것은 전통에 대한 도전이었다.
비슷한 소재에서 자극을 받았다고 해도, 영국 팝아트와 미국 팝아트는 명확히 구분할 필요가 있다. 영국의 초기 팝아트는 멀리서 바라본 것, 특히 미국 대중문화의 영향을 크게 받았던 반면, 미국 작가들은 자신들의 사회 안에서 직접 보고 겪은 것에서 자극을 받았다.
미국에서 팝 양식은 구상예술로의 회귀였다. 세상을 알아보기 쉬운 방식으로 묘사하면서, 감정을 배제한 현실적인 이미지를 사용했다. 그 특징은 상징적이고, 익명적이며, 공격적인 경향을 띠었다.
영국에서 이 운동은 더 학구적인 접근 방식을 취했다. 아이러니와 패러디를 활용해, 화려한 아메리칸 드림이 상징하는 것과 그것이 사람들의 생활방식을 조종하는 힘에 초점을 맞췄다.
대부분 미국 화보 잡지에서 가져온 이미지들로 만든 리처드 해밀턴의 콜라주 “대체 무엇이 오늘날의 가정을 이토록 다르고, 이토록 매력적으로 만드는가?”는 공식적으로 최초의 진정한 팝아트 작품으로 여겨진다. 이 작품은 원래 런던 화이트채플 아트 갤러리에서 열린 1956년 전시 “This is Tomorrow”의 카탈로그를 위해 제작되었으며, 이 전시의 포스터 중 하나로도 사용되었다 (이미지 출처: art-dot.ru)
팝아트의 공통된 특징은 무엇인가?
이 예술 형식은 그 특유의 활기와, 이전 예술가들이 작품에서 애써 피하려 했던 독특한 예술적·개념적 특성 덕분에 쉽게 알아볼 수 있다.
다음과 같은 특징으로 팝아트를 알아볼 수 있다:
- 밝고 채도 높은 대비 색상. 이전의 고전적인 예술 형식에서 흔히 그랬던 것처럼 작가의 내면세계나 개성을 상징하는 것이 아니라, 주변의 생동감 있고 대중적인 삶의 방식을 반영한다.
- 일상에서 매우 익숙한 사물, 그리고 유명인, 만화 캐릭터, 유명 브랜드 로고 등은 예술이 역사나 신화, 도덕뿐 아니라 그 무엇에서든 영감을 받을 수 있다는 생각을 강화한다.
- 실크스크린 인쇄, 석판화 같은 획기적인 기법, 이질적인 여러 재료의 혼합, 그리고 대상을 거의 우스꽝스러울 정도로 확대해 풍자하는 방식.
- 허구적 서사와 깊은 의미의 부재. “발견된” 사물이나 기성품, 그리고 대중적, 정치적, 사회적 현상을 담은 이미지를 뜻밖에도 무의미하게 조합하는 방식은 콜라주에서 자주 나타나며, 이는 어프로프리에이션(대중문화의 이미지나 사물을 그대로 복제하거나 빌리거나 변형하는 것)이라 불리는 예술적 과정으로 구성된다.
- 광고와 시각적으로 닮은 점. 팝아트 작가들은 상업적 실크스크린 인쇄 같은 디자인 산업의 공정과, 전단지·광고판·카탈로그 등 현대 세계에 없어서는 안 될 마케팅 자료를 모방한 매우 그래픽적인 레이아웃을 차용한다.
전설적인 팝아트 작가들은 누구인가?
다음 인물들은 이 운동을 형성한 최초의 팝아트 작가들로 꼽힌다.
리처드 해밀턴은 화가이자 콜라주 작가로, 이 운동의 목표와 이념을 정립한 인물로서 흔히 영국 팝아트의 아버지로 불린다. 그는 예술이 갤러리와 전시회만을 위한 것이 아니라 삶의 한 방식이라고 믿었고, 이를 통해 예술을 대중화하는 데 기여했다.
리처드 해밀턴 | I'm Dreaming of a Black Christmas, 1971 (이미지 출처: americanart.si.edu)
앤디 워홀은 미국의 화가, 영화감독, 프로듀서로, 이 양식을 대표하는 가장 유명한 인물이라 해도 과언이 아니다. 다른 많은 이들처럼 그도 잡지 삽화와 쇼윈도 디스플레이 작업으로 경력을 시작했다. 이후 워홀은 자신의 유명세를 이용해 팝아트를 다른 예술 분야로 확장시켰으며, 독립영화의 선구자로 여겨지는 경우도 많다.
앤디 워홀 | Marilyn Monroe, 1967 (이미지 출처: masterworksfineart.com)
데이비드 호크니는 20세기 가장 영향력 있는 영국 예술가 중 한 명이다. 판화, 사진, 무대 디자인 등 다양한 분야를 넘나들며 활동한 호크니는 초상화와, 수영장 옆 뜨거운 로스앤젤레스 여름을 그린 인상적인 작품들로 가장 잘 알려져 있다.
데이비드 호크니 | Pool with Two Figures, 1972 (이미지 출처: wallpaper.com)
로이 리히텐슈타인은 만화를 자신의 창작 활동의 중심이자 하나의 온전한 예술 작품으로 만들었다. 그는 만화와 카툰의 이미지를 활용해 첫 작품들을 만들었으며, 신문 인쇄를 모방하기 위해 유화 물감과 아크릴 물감으로 채색했다.
로이 리히텐슈타인 | Whaam!, 1963 (이미지 출처: amorosart.com)
재스퍼 존스는 1950년대 팝아트의 선구자 중 한 명이었다. 세상은 미국 국기를 그린 그의 캔버스, 그리고 과녁과 숫자를 담은 그래픽 작품을 통해 처음으로 그를 알게 되었다. 그는 조각 작업에도 관여했다.
재스퍼 존스 | Three Flags, 1958 (이미지 출처: ideelart.com)
웨인 티보는 미국의 화가로, 케이크, 파이 조각, 사탕 등 먹음직스러운 음식과 일상적인 사물, 그리고 구불구불한 샌프란시스코의 거리를 그린 화려한 정물화로 가장 잘 알려져 있다.
웨인 티보 | Candies, 1965–1966 (이미지 출처: artsy.net)
많은 현대 팝아트 작가들이 이 운동을 단순히 명맥만 잇는 게 아니라 계속 번성시키고 있다. 오늘날 사랑받는 팝아트 작가로는 제프 쿤스, 알렉스 카츠, 쿠사마 야요이 등이 있다.
팝아트가 전하는 핵심 메시지는 무엇인가?
팝아트를 그토록 주목할 만하게 만든 요소 중 하나는, 작가들이 대중문화와 고전예술 사이의 간극을 좁힘으로써 “저급”과 “고급” 예술의 구분을 무너뜨렸다는 점이다. 이를 통해 예술이란 무엇이며 예술가란 대체로 무엇을 의미하는지에 대한 기존의 통념을 다시 생각하게 만들었다.
앤디 워홀은 예술가들이 다른 모든 사람이 알아본 위대한 현대적인 것들을 애써 외면했다고 지적하며, 당시 예술이 실제 삶과 실제 사람들로부터 완전히 단절되어 있었다는 현상을 강조했다. 붓터치에 대한 집착이 배타적인 분위기를 만들어냈다는 것이다.
하지만 모더니즘 비평가들은 팝아트 작가들이 이런 “저급한” 소재를 사용하는 것과, 그것에 대해 비판 없이 무비판적으로 대하는 태도에 경악했다. 그들은 팝아트를 지나치게 저속하다고 여겼고, 저속함과 키치를 조장한다고 보았으며, 그것이 상품과 서비스의 일상적 소비 외에는 아무것에도 관심 없는 순응적이고 영혼 없는 사회의 출현으로 이어질까 우려했다.
팝아트 작가들은 자신들이 대중문화를 미화하고 싶지 않았다는 사실로 이 운동의 본질을 설명했다. 그래서 그들은 대중문화의 대상을 있는 그대로 묘사했고, 영화, 광고, 텔레비전, 소비재처럼 현대인이라면 누구에게나 절대적으로 익숙한 것들에 예술의 초점을 맞췄다.
팝아트 운동은 예술을 엘리트뿐 아니라 대중에게도 다가갈 수 있게 만드는 데 큰 가치를 발휘했다. 이 양식이 상업적 인물과 문화적 순간에서 영감을 얻으면서, 그 작품들은 일반 대중으로부터 인정과 존중을 받았다. 마침내 “대중을 위한 예술”이라 불릴 만한 예술이 등장한 것이다.
점차 팝아트 작가들의 작품은 다른 창작 산업에도 영향을 미쳤다. 일부 작품은 디자이너들에 의해 의류 생산과 인테리어 장식에 활용되기도 한다.
실제로 팝아트는 예술을 새로운 주제 영역으로 이끌었을 뿐 아니라, 예술을 제시하는 새로운 방식을 열었다는 점에서 포스트모더니즘의 초기 표현 중 하나로 볼 수 있다.
Sketchar로 그린 Kathll, Anya, Nathalia의 작품
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이 게시글의 커버 이미지는 Sketchar로 제작한 Ira Paisley의 작품을 사용했습니다.
