¿Qué es el pop art?
El pop art (abreviatura de arte popular) es un movimiento de las artes visuales de Europa Occidental y Estados Unidos que surgió a mediados de la década de 1950 y hasta finales de la de 1960, como una reacción contra la supremacía del “arte elevado” tradicional del pasado y el expresionismo abstracto altamente personal, reservado solo para la “élite”.
Este estilo defendía la idea de apelar a la realidad, no a la fantasía del artista. Los artistas pop sentían que lo que les enseñaban en las escuelas de arte y lo que se exhibía en los museos no tenía nada que ver con sus vidas. En cambio, buscaron inspiración en la cultura de masas contemporánea: la publicidad, los empaques de productos, la televisión, los estereotipos sociales, los ídolos, las películas de Hollywood, la música pop y los cómics. Entre los precursores del pop art hubo, a menudo, creadores con formación profesional en estas mismas áreas.
¿Cómo surgió el movimiento pop art?
El pop art se originó a mediados de la década de 1950 en Gran Bretaña, en Londres, cuando un grupo de pensadores y creadores fundó el Independent Group (una asociación cuyos miembros exploraban el efecto de la tecnología, la cultura de masas y la publicidad en el arte contemporáneo), que incluía a los artistas Richard Hamilton, Nigel Henderson, John McHale, Eduardo Paolozzi, y a los arquitectos Peter y Alison Smithson, James Stirling, entre otros. Sus obras influyeron profundamente en el desarrollo posterior del movimiento. A finales de la década de 1950, el pop art, con una forma un poco distinta, se extendió a Estados Unidos y alcanzó su punto máximo en la década de 1960. Cabe destacar que la fusión entre las bellas artes y la cultura de masas (como carteles publicitarios, empaques y anuncios impresos) había comenzado, en cierto sentido, mucho antes de ese período, unos 100 años antes.
Miembros del Independent Group: Nigel Henderson, Eduardo Paolozzi, Alice y Peter Smithson, 1956 (imagen vía curatingthecontemporary.org)
El movimiento pop activo comenzó durante la revolución cultural de mediados del siglo XX. Tras el auge económico y político posterior a la Segunda Guerra Mundial, activistas, líderes de opinión y artistas empezaron a desafiar los límites del conformismo para redefinir todo, desde los derechos civiles y la liberación de la mujer hasta los medios de comunicación de masas y el arte mismo. Fue un desafío a la tradición.
Aunque compartían temáticas similares, es importante diferenciar claramente entre el pop británico y el pop estadounidense. El primer pop art británico estuvo muy influido a la distancia, en particular, por la cultura popular estadounidense, mientras que los artistas estadounidenses se inspiraban en lo que veían y vivían dentro de su propia sociedad.
En Estados Unidos, el estilo pop significó un regreso al arte figurativo, que representaba el mundo de una manera reconocible, con el uso de imágenes impersonales y sencillas. Tendía a ser emblemático, anónimo y agresivo.
En el Reino Unido, el movimiento fue más académico en su enfoque. Mediante la ironía y la parodia, se centraba en lo que representaba el reluciente sueño americano y su capacidad de manipular los estilos de vida de las personas.
El collage de Richard Hamilton “Just What Is It That Makes Today’s Homes So Different, So Appealing?”, hecho principalmente con imágenes tomadas de revistas ilustradas estadounidenses, se considera oficialmente la primera obra genuina del pop art. Fue creado originalmente para el catálogo y usado en uno de los afiches de la exposición de 1956 “This is Tomorrow”, celebrada en la Whitechapel Art Gallery de Londres (imagen vía art-dot.ru)
¿Qué características son comunes en el pop art?
Esta forma de arte se reconoce fácilmente por su energía y por sus atributos artísticos y conceptuales únicos, que los artistas antes intentaban evitar en sus obras.
Puedes identificar el pop art por lo siguiente:
- Colores brillantes, saturados y contrastantes que no simbolizan el mundo interior o la personalidad del artista, como solía ocurrir en las formas de arte clásicas anteriores, sino que reflejan el estilo de vida vibrante y popular que los rodeaba.
- Objetos muy familiares de la vida cotidiana, además de celebridades, personajes de cómics y logotipos de marcas famosas, que refuerzan la idea de que el arte puede inspirarse en cualquier cosa, no solo en la historia, la mitología o la moral.
- Técnicas innovadoras (por ejemplo, la serigrafía, la litografía), la mezcla de materiales poco habituales e incluso la sátira de objetos al agrandarlos hasta proporciones casi cómicas.
- Ausencia de una historia ficticia o de un significado profundo. Combinaciones inusuales y sin sentido aparente de objetos e imágenes “encontrados” o ya hechos, junto con fenómenos populares, políticos o sociales, que suelen mostrarse en collages, mediante un proceso artístico llamado apropiación (copiar, tomar prestado o alterar imágenes u objetos de la cultura de masas).
- Similitud visual con la publicidad, ya que los artistas pop toman prestados procesos de la industria del diseño, como la serigrafía comercial y las composiciones muy gráficas que imitan volantes, carteles, catálogos y otros materiales de marketing, elementos que son parte integral del mundo moderno.
¿Quiénes son los artistas pop legendarios?
Las siguientes figuras se consideran entre las que dieron forma original al movimiento del pop art.
Richard Hamilton, pintor y artista del collage, es considerado comúnmente el padre fundador del pop art británico por haber delineado los objetivos y las ideas del movimiento. Creía que el arte no era solo para galerías y exposiciones, sino una forma de vida, y así contribuyó a que el arte se volviera parte de la cultura popular.
Richard Hamilton | I'm Dreaming of a Black Christmas, 1971 (imagen vía americanart.si.edu)
Andy Warhol, artista, director de cine y productor estadounidense, es posiblemente el exponente más famoso de este estilo. Como muchos otros, comenzó ilustrando revistas y diseñando escaparates. Más adelante, Warhol usó su estatus de celebridad para expandir el pop art a otros campos artísticos: suele considerársele pionero del cine independiente.
Andy Warhol | Marilyn Monroe, 1967 (imagen vía masterworksfineart.com)
David Hockney es uno de los artistas británicos más influyentes del siglo XX. Trabajando en disciplinas muy diversas, como el grabado, la fotografía y el diseño escenográfico, Hockney es conocido sobre todo por sus retratos y por sus impresionantes representaciones de los calurosos veranos de Los Ángeles junto a la piscina.
David Hockney | Pool with Two Figures, 1972 (imagen vía wallpaper.com)
Roy Lichtenstein convirtió a los cómics en el centro de toda su actividad creativa y en una obra de arte en sí misma. Realizó sus primeros trabajos a partir de imágenes de dibujos animados y cómics, que pintaba con óleos y acrílicos para imitar la impresión de los periódicos.
Roy Lichtenstein | Whaam!, 1963 (imagen vía amorosart.com)
Jasper Johns fue uno de los pioneros del pop art en la década de 1950. El mundo lo conoció gracias a sus lienzos que representaban la bandera estadounidense, así como a sus gráficos con blancos de tiro y números. También incursionó en la escultura.
Jasper Johns | Three Flags, 1958 (imagen vía ideelart.com)
Wayne Thiebaud es un pintor estadounidense conocido sobre todo por sus coloridas naturalezas muertas de dulces y objetos cotidianos: pasteles, porciones de tarta, caramelos y las sinuosas calles de San Francisco.
Wayne Thiebaud | Candies, 1965–1966 (imagen vía artsy.net)
Muchos artistas pop contemporáneos siguen manteniendo el movimiento no solo vivo, sino en pleno auge. Hoy en día, entre los artistas pop más admirados se encuentran Jeff Koons, Alex Katz y Yayoi Kusama.
¿Cuál es el mensaje clave del pop art?
Una de las cosas que hizo al pop art tan notable fue que sus artistas derribaron las distinciones entre el arte “bajo” y el arte “elevado”, cerrando la brecha entre la cultura popular y el arte clásico, y con ello replantearon los argumentos convencionales sobre qué constituye el arte y qué significa, en general, ser artista.
Andy Warhol señaló que los artistas se negaban a notar todas las grandes cosas modernas que todos los demás sí notaban, lo que ponía de relieve un fenómeno: el arte de la época estaba totalmente desconectado de la vida real y de la gente real; la obsesión con la pincelada había creado un ambiente de exclusividad.
Pero los críticos modernistas se horrorizaron ante el uso que hacían los artistas pop de temas tan “bajos” y ante su actitud acrítica hacia ellos. Consideraban al pop art demasiado primitivo, promotor de la vulgaridad y el kitsch, y les preocupaba que eso pudiera dar lugar a una sociedad conformista y sin alma, interesada únicamente en el consumo diario de bienes y servicios.
Los representantes del pop art explicaban la esencia de su movimiento diciendo que no querían idealizar la cultura de masas, así que retrataban sus objetos tal como realmente eran, centrando su arte en lo que resulta absolutamente familiar para cualquier persona moderna: las películas, la publicidad, la televisión, los bienes de consumo.```
El movimiento pop art demostró ser valioso al hacer que el arte fuera accesible para las masas, y no solo para la élite. Como el estilo se inspiraba en figuras comerciales y momentos culturales, las obras recibieron el reconocimiento y el respeto del público general. Por fin surgió un tipo de arte visto como “arte para el pueblo”.
Poco a poco, las obras de los artistas pop influyeron en otras industrias creativas: algunas de ellas son empleadas por diseñadores en la producción de ropa y en la decoración de interiores.
De hecho, el pop art llevó el arte hacia nuevas áreas temáticas e inició nuevas formas de presentarlo, por lo que puede considerarse una de las primeras manifestaciones del posmodernismo.
Dibujos hechos en Sketchar por Kathll, Anya y Nathalia
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La portada del artículo usa una obra de Ira Paisley hecha en Sketchar.
