Seguramente te has topado con obras desproporcionadas, primitivas, hasta aparentemente descuidadas, pero conmovedoras y sinceras, que recuerdan a los dibujos de los niños. En realidad, su autoría pertenece a adultos representantes del arte naif.
En un principio, el arte naif era cualquier forma de arte visual que reflejara una visión fresca e inocente del mundo, creada por una persona que carecía de conocimientos técnicos tradicionales para representar objetos reales, o que simplemente los rechazaba. Pero, en general, esa descripción era válida sobre todo para el siglo XX, porque en el siglo XXI ya han surgido instituciones dedicadas a los asuntos del arte naif. El género hoy es reconocido en todo el mundo y está representado en museos propios y en muchas galerías.
Sin embargo, el rasgo distintivo principal del movimiento sigue siendo el incumplimiento de los principios formales del arte. Los artistas naif, en su mayoría, no:
• reducen la escala de los objetos proporcionalmente con la distancia;
• atenúan los colores con la distancia;
• disminuyen la precisión de los detalles con la distancia;
• muestran indicios de fuentes de luz;
• construyen una anatomía correcta de humanos o animales.
Dejando de lado estas llamadas reglas, los artistas naif crean obras que parecen “geométricamente incorrectas”, con perspectivas distorsionadas y formas toscas, con un uso intenso de patrones y colores llamativos sin importar la composición, y con una intensidad dramática tanto en el primer plano como en el fondo.
Crean otra realidad propia, de una cualidad surrealista.
El arte naif es una corriente bastante antigua, y existen dos versiones posibles sobre cuándo comenzó. Una sitúa su nacimiento en los primeros años del siglo XX, cuando fue aceptado por primera vez como una forma artística de estatus igual a cualquier otra (varios profesionales de la vanguardia, el posmodernismo y el arte conceptual reconocieron abiertamente al arte naif como fuente de inspiración). La otra propone remontarse decenas de miles de años atrás, hasta las primeras pinturas rupestres, una época en la que todo el arte podría considerarse hoy naif.
Pero lo que sí se sabe con certeza es que, hacia mediados del siglo XX, la mayoría de las regiones desarrolladas ya tenían sus propios artistas naif que habían alcanzado cierto reconocimiento. Una de las figuras clave del movimiento es el francés Henri Rousseau, cuyos retratos, escenas de la selva y vegetación exótica son ampliamente admirados.
El festín del león de Henri Rousseau, ca. 1907 | Una noche de carnaval de Henri Rousseau, 1886 (imágenes vía commons.wikimedia.org)
Rousseau comenzó a pintar en serio pasados los 40 años y se dedicó por completo al arte a los 49, cuando se jubiló de su trabajo como recaudador de impuestos. Sus obras fueron frecuentemente ridiculizadas y sometidas a duras críticas, especialmente al principio. Rousseau se inspiraba en libros infantiles y en los jardines botánicos de París, e incluso afirmaba haber inventado un nuevo estilo de “pintura de paisaje-retrato”, en el que primero pintaba una escena y luego representaba a una persona o un animal en primer plano. El artista ganó popularidad entre sus colegas creadores tras su primera exposición en el Salon des Indépendants de 1886 en París: una de sus obras le fue mostrada a Camille Pissarro (pintor impresionista y neoimpresionista franco-danés) con la esperanza de burlarse de Rousseau, pero el maestro admiró su estilo y elogió la pintura. Se trataba de “Una noche de carnaval”.
Otro artista naif autodidacta igualmente célebre es el georgiano Niko Pirosmani. Él también obtuvo reconocimiento internacional solo después de su muerte. A principios del siglo XX, mientras daba sus primeros pasos activos en el arte, Pirosmani creaba con pinturas caseras sobre hule, blanco o negro. Donde era necesario aplicar esos colores, el artista simplemente dejaba el hule sin pintar; así desarrolló una de sus técnicas básicas. Las obras de Pirosmani estuvieron influenciadas por las condiciones sociales de su época y lugar. A diferencia de otros artistas, Niko no buscaba una imitación pura de la naturaleza ni prestaba atención a los detalles. Algunas de sus pinturas son monocromáticas.
Los amigos de Begos de Niko Pirosmani, década de 1910 (imagen vía commons.wikimedia.org)
Además, muchos artistas que trabajaban en la misma época que Rousseau, o poco después, fueron desarrollando su propio tipo de arte naif, alimentado en cierta medida por el arte popular. Por ejemplo, Grandma Moses comenzó su carrera creativa a los 78 años y se destacó por su fascinación con el realismo estadounidense; Ivan Generalić retrataba las escenas rurales de su Croacia natal con matices políticos; ambos tenían poca o ninguna formación, pero dejaron que su experiencia personal, su herencia y su trasfondo cultural enriquecieran su obra.
Halloween de Grandma Moses, 1955 | El toro rojo de Ivan Generalić, 1972 (imágenes vía wikiart.org)
La esencia del arte naif es que sus artistas no buscan dibujar según reglas. Crean como sienten, con un enfoque desinhibido e instintivo hacia los materiales, la composición y la idea. Esto es lo que los distingue de los artistas primitivistas: como profesionales experimentados, estos últimos emplean deliberadamente la simplificación, elaborando sus pinturas para que parezcan torpes. Marc Chagall, Paul Klee, Mijaíl Lariónov, Pablo Picasso y Henri Matisse tenían ese estilo de trabajo.
“Naif” no significa “tonto” ni “de mente estrecha”. Más bien, es un contraste frente al arte profesional.
Hoy en día es difícil encontrar una ingenuidad absoluta en los artistas contemporáneos, dada la difusión de la autoeducación como forma de adquirir conocimientos especializados. Algunos ejemplos de artistas vivos que reconocen abiertamente su estilo naif son Gary Bunt, Lyle Carbajal, Gabe Langholtz, Gigi Mills, Barbara Olsen, Paine Proffitt y Alain Thomas.
El equipo de SketchAR, por su parte, también quiere destacar a una joven creadora: una chica de India llamada Krithika S. Es una principiante que empezó a hacer arte durante el confinamiento por Covid-19. Buscando distraerse un poco, Krithika descubrió la app SketchAR y luego comenzó a publicar en Instagram los dibujos que hacía con su ayuda. Su actividad creativa nos cautivó de inmediato.
Empecé a dibujar como pasatiempo para ocupar mis primeras horas de la mañana y las últimas de la noche, porque estar tanto tiempo en casa empezaba a estresarme un poco.
Al principio dibujaba a mano cosas genéricas. Luego, poco a poco, empecé a interesarme por dibujar retratos de celebridades. Algunos me salían bien y otros no tan bien.
Descubrí SketchAR cuando estaba intentando dibujar a mi amiga para sorprenderla en su cumpleaños. Al principio pensé en hacerlo a mano alzada, pero no tenía tiempo y me daba miedo el resultado.
Así que mi primera obra en la app fue un retrato de mi amiga. Después sentí que SketchAR era realmente genial y divertida. Me ahorró mucho tiempo y el resultado final fue tan bueno como esperaba.
Jennifer Aniston como Rachel Green | Tom Ellis como Lucifer Morningstar | Hugh Laurie como Gregory House, por Krithika S, 2020
La misión de SketchAR es liberar el potencial creativo de cualquier persona, sin importar su nivel de habilidad artística. Lo importante es dar el primer paso, que ya en sí mismo es un logro. Queremos que todos se sientan libres de expresarse a sí mismos, sus emociones e ideas, aunque no correspondan a principios, reglas, estándares o normas particulares. Estamos a favor de los sentimientos verdaderos y de la energía genuina.
Los artistas naif merecen especial atención y reconocimiento por su tenacidad, igual que todos los demás. Al menos conozcámoslos. Esperamos que este material inspire a algunos de ustedes a visitar un museo o simplemente a explorar imágenes en línea para conocer más sobre el género y, quizás, apoyar los proyectos audaces de alguien.
La portada del artículo usa una obra de Krithika hecha en Sketchar.
