Et si, en créant de l'art, vous vous éloigniez de l'imagerie naturelle, en modifiant les lignes, les formes, les couleurs et les traits ?
La stylisation créative dans les arts visuels implique la vision de l'auteur et la réinvention artistique des phénomènes ou des objets de la réalité environnante et, par conséquent, leur nouvelle représentation. Cette méthode nécessite de retirer de l'image tout le superflu, les éléments mineurs qui gênent une perception visuelle claire, afin de révéler l'essence des objets représentés, d'attirer l'attention sur leur esthétique ou leur nature jusqu'alors cachée, et de susciter une intensité émotionnelle correspondante. La stylisation rend, en quelque sorte, le motif artistique plus accessible au spectateur, ce qui explique pourquoi elle est aujourd'hui largement utilisée en design graphique et en design d'intérieur.
La Grande Encyclopédie soviétique de 1979 a parfaitement expliqué la stylisation comme « la généralisation décorative des figures et des objets au moyen de diverses techniques conventionnelles, y compris la simplification de la ligne, de la forme et des relations d'espace et de couleur ».
Vous voudrez peut-être maintenant examiner les bases de cette pratique et comment la maîtriser.
Les types de stylisation et ce qu'ils apportent à l'image
La stylisation peut être intentionnelle – si vous explorez un objet, par exemple à l'aide d'esquisses préliminaires, et que vous construisez, à partir des informations recueillies, une image mettant l'accent sur ses caractéristiques particulières. Elle peut aussi être intuitive – si vous produisez accidentellement une silhouette qui présente des traits reconnaissables, voire exagérés, de son prototype. C'est souvent ainsi que les enfants représentent le monde. Ils sont capables de simplifier n'importe quel objet complexe : tout le monde connaît ce bonhomme allumette dessiné à l'aide de courtes lignes irrégulières.
Que cette technique soit appliquée sur une esquisse préparée à l'avance ou réalisée directement d'une certaine manière, l'œuvre finale présente généralement un aspect concis, géométrique, excentrique, coloré et sensuel.
Les méthodes les plus courantes de stylisation artistique :
• l'aplat (absence de profondeur tridimensionnelle),
• des formes simplifiées,
• des proportions non naturelles des éléments distinctifs,
• une variation plus ou moins marquée des détails,
• des couleurs et des textures irréalistes et vibrantes.
Comme mentionné plus haut, le but de la stylisation créative est d'inventer une image nouvelle, dotée d'une expressivité et d'une décorativité accrues, se plaçant au-dessus de la nature, au-dessus des objets réels environnants, perdant parfois complètement sa ressemblance avec l'original. Mais même lorsque la stylisation prend une forme mimétique, c'est-à-dire qu'elle imite délibérément le style d'un auteur, d'un genre, d'un mouvement, d'une époque ou d'une culture particulière, il ne doit pas s'agir d'une simple copie. Lorsqu'on recrée un style, il est important de chercher à y apporter son individualité et son propre contexte, par exemple à travers une nouvelle intrigue, une vision différente de la couleur ou une solution compositionnelle générale. C'est généralement le degré de nouveauté artistique qui détermine en grande partie la valeur d'une œuvre stylisée.
De gauche à droite : un exemple de poterie péruvienne ancienne ; Henri Matisse | « Chat aux Poissons Rouges » ; Pablo Picasso | « Pichet et coupe de fruits » ; Gustav Klimt | « L'Arbre de vie III » ; Keith Haring | « Statue de la Liberté » (images via principlearttalk.com)
Les débuts de la stylisation artistique remontent à l'époque des peintures rupestres et au Moyen Âge, par exemple sous la forme de silhouettes de saints délibérément allongées. En tant que méthode artistique, la stylisation a atteint des sommets dans les ornements assyro-babyloniens, perses, égyptiens antiques et grecs anciens, dans lesquels, aux côtés de lignes et de motifs géométriques, figuraient souvent une flore et une faune, réelles ou fictives, ainsi que des figures humaines représentées avec beaucoup de talent et de goût. Avec le temps, l'objectif de nombreux artistes est devenu une mimesis accrue (une idée selon laquelle la création d'œuvres d'art devait correspondre au monde physique, considéré comme un modèle de beauté, de vérité et de bien), et un réalisme croissant a commencé à remplacer la stylisation dans l'art (de la Renaissance jusqu'au XIXe siècle). Lorsque, au XIXe siècle, l'impressionnisme s'est éloigné des traditions académiques et a recentré l'attention sur l'expérimentation des couleurs et de la lumière, il a suscité un regain d'intérêt pour la stylisation délibérée et l'utilisation de la représentation d'objets reconnaissables comme prétexte à explorer aussi la couleur, la ligne et la forme.
Comment se lancer dans la stylisation artistique
La pratique de la stylisation est à la fois facile et exigeante. Il faut se détendre et oublier toutes les règles et principes de l'art, tout en les connaissant parfaitement. Le fait est qu'une compréhension précise de ce que l'on néglige vous donne de la liberté et ne trahit pas un amateurisme.
Il s'ensuit que, pour exceller dans la stylisation, vous devez posséder des bases solides en dessin et en peinture, c'est-à-dire connaître les lois de l'harmonie et de la représentation du monde qui nous entoure. Nous vous recommandons d'explorer et de travailler différents genres, de la nature morte au portrait, sans vous limiter à un seul domaine. La diversité vous aide à découvrir ce qui vous correspond le mieux et, si nécessaire, à approfondir un domaine particulier. La stylisation, à son tour, ouvre la voie à la peinture décorative, à l'avant-garde, à l'abstraction, qui reposent fortement sur les bases de la composition, le style de ligne, la dynamique et la statique.
Mais venons-en au fait. Pour transformer une image réaliste en un objet expressif et émotionnel, concentrez-vous d'abord sur l'essentiel de celle-ci, sur ce qui la distingue des autres. Observez la nature de sa forme, en mettant de côté tous les détails superflus. Ensuite, à l'aide de simples points, lignes et taches, dessinez votre œuvre. Activer votre pensée associative et puiser dans l'expérience accumulée dans votre mémoire évitera une duplication exacte. Une fois que vous obtenez un certain contour, travaillez-le jusqu'à obtenir la forme et la couleur finales, qui peuvent d'ailleurs être appliquées de manière localisée et contrastée, voire dans des teintes inhabituelles pour l'objet. Vous pouvez aussi ajouter des éléments décoratifs si, selon vous, cela s'avère nécessaire. Ce faisant, votre image finale doit toujours rappeler le prototype choisi au départ. Pour les débutants, il est préférable d'apprendre cet art en créant les esquisses les plus simples de plantes ou d'animaux.
Stylisation des représentations humaines
Il existe plusieurs façons de donner à une personne un aspect stylisé. L'illustration de mode en est un exemple frappant. Lorsqu'ils esquissent leurs idées, les créateurs ont souvent recours à l'augmentation de la taille du mannequin et à la déformation de ses proportions corporelles : taille extrêmement fine, cou et membres allongés. Grâce à cette technique, on peut mettre en valeur l'individualité propre à une personne en particulier.
De gauche à droite : croquis de mode par Elie Saab (pour Elie Saab), Karl Lagerfeld (pour Fendi), Hubert de Givenchy (pour Givenchy) (images via shilpaahuja.com)
Un autre exemple bien connu est celui des caricatures et des grotesques. La personne représentée reste parfaitement reconnaissable, bien qu'elle puisse présenter des traits du visage disproportionnés : une bouche ou un nez anormalement grands, des yeux et des cils agrandis. Les professionnels parviennent à transmettre le caractère et à capter les traits uniques avec une telle précision qu'il ne faut pas grand-chose pour identifier la personne représentée. Ces techniques sont souvent utilisées en animation, associées à des choix de couleurs audacieux.
Portraits caricaturés par John Kascht (image via johnkascht.com)
Par la stylisation, l'artiste crée son propre monde imaginaire, dans lequel chaque élément possède son prototype dans l'environnement naturel.
Esquisses de portraits stylisés par Andrey Adno réalisées sur Sketchar
La capacité à transmettre un message visuellement, sans se focaliser sur une reproduction documentaire de la réalité et en utilisant la simplification, découle de l'expérience accumulée et d'une pratique constante. Chez Sketchar, nous sommes conscients de l'importance d'aider ceux qui débutent leur parcours artistique ou qui souhaitent simplement gagner du temps. La fonctionnalité AI Portraits est notre façon de montrer comment travailler la stylisation à l'aide des réseaux neuronaux. En utilisant cet outil créatif, vous pouvez relier les deux mondes en quelques secondes : transformer des photos de portraits, les vôtres ou celles d'autres personnes, en toutes sortes d'illustrations (avec des effets de bande dessinée, de dessin animé, d'anime ou de pinceau), tout comme le feraient de véritables artistes. Cela offre un regard différent sur l'objet issu de l'environnement naturel – une personne – afin d'attirer l'attention sur certains éléments qui, habituellement, peuvent sembler peu expressifs ou peu significatifs, entraînant ainsi votre œil à les recréer de façon nouvelle, mais par vous-même – sous la forme d'un symbole artistique.
Stylisez des photos à l'aide de votre smartphone et élargissez votre imagination grâce à la technologie. Dans le même temps, n'oubliez pas de développer votre intuition artistique en cultivant de bonnes habitudes de dessin, afin que tous les fondamentaux deviennent une seconde nature et vous ouvrent de nouvelles voies créatives.
Illustrations créées à partir de la photo avec l'outil AI Portraits de Sketchar
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La couverture de cet article utilise une œuvre de Vadim Sloof réalisée sur Sketchar.
