Présentation de Daniel Yulich :
Je suis artiste et graphiste, je vis entre Nijni Novgorod et Saint-Pétersbourg, en Russie.
Je dessine depuis la plus tendre enfance, aussi loin que je me souvienne. J'ai suivi des cours dans plusieurs studios d'art, mais je m'y suis vite épuisé et je suis reparti sans y trouver ni reconnaissance ni engagement. Du coup, j'ai décidé de me former seul. Je me suis appris à peu près tout à travers des livres, des vidéos... et des connaissances plus âgées qui créaient de la même façon.
Aujourd'hui, je travaille en indépendant, en mêlant l'art à l'illustration commerciale et au design graphique/web.
Quels sont les éléments essentiels de votre pratique artistique ? Comment décririez-vous votre style actuel ?
J'ai longtemps cherché un style qui me ressemble en essayant beaucoup de choses. J'ai imité de nombreux artistes connus en y ajoutant ma propre vision, j'ai expérimenté avec les genres, les formes et les couleurs. J'ai fini par comprendre que ce qui m'intéresse, c'est quelque chose de voyant, de provocant, de porteur de sens, qui colle à l'actualité sans être formaté. C'est ainsi que je suis arrivé au pop art, dans lequel je travaille depuis plusieurs années.
Qu'est-ce qui vous a mené à Sketchar, et quand ?
J'ai entendu parler de Sketchar par son fondateur Andrey Adno sur Instagram, que je suivais depuis très longtemps. À cette époque, je peignais sur les murs et, comme beaucoup d'artistes de rue, j'utilisais un projecteur pour mettre à l'échelle et transférer mes images, en rêvant d'un véritable appareil portable pour ça.
Quand Sketchar a été annoncé, j'étais ravi, comme si l'équipe avait lu dans mes pensées et créé exactement ce que je voulais tant : un outil pour travailler plus confortablement, permettant de gagner un maximum de temps sur les sites où il faut faire beaucoup de choses rapidement.
Plus tard, avec l'arrivée de sa bibliothèque éducative, j'ai même convaincu quelques amis qui débutaient dans le dessin d'utiliser Sketchar.
Que ressent-on, en tant qu'artiste, face à la technologie ?
Les artistes, comme tout le monde, doivent avancer avec les technologies qui évoluent, puisque ce sont elles qui façonnent l'avenir. La synergie entre compétences créatives et technologie nous permet de progresser et d'atteindre de nouveaux sommets.
Avez-vous des techniques ou des principes qui nourrissent votre créativité ?
Tout part d'une idée. Trouver du sens, ou savoir le repérer dans des choses auxquelles les autres ne prêtent même pas attention, c'est une part essentielle du travail, et c'est toujours plus compliqué que de créer une forme et de choisir une couleur. J'aime me plonger dans divers pans de la vie, rester au fait de ce qui se passe, écouter, observer, m'intéresser à des choses nouvelles : c'est ce qui m'aide à trouver une idée pour chaque nouvelle œuvre.
Iron curtain, 2021 | Cette œuvre reflète la panique qui a suivi la panne de Facebook, Instagram et WhatsApp début octobre. Cet épisode a montré une fois de plus que le monde numérique est notre avenir, tant la vie de beaucoup de gens gravite désormais autour d'Internet. Soumission, dépendance, désespoir en sont les principaux leitmotivs.
Vos œuvres ont un ton culotté et provocateur. Qu'est-ce qui vous motive et nourrit cet art ?
J'aime créer de façon vive et chargée d'émotion. Cela permet aux spectateurs de prendre plus facilement conscience d'un problème ou de regarder une situation sous un autre angle.
Van Gauguin, 2021 | Une relecture moderne de la tension entre deux grands maîtres : Vincent van Gogh et Paul Gauguin.
Quel est votre principal objectif créatif ?
Fondamentalement, c'est une provocation assumée qui reflète un événement marquant ou quelque chose que la société essaie de dissimuler et de ne pas rendre public. Parfois, c'est simplement une prise de position, mais qui met aussi en lumière de façon vive l'état actuel des choses, l'agenda du passé, ou des problèmes du quotidien gênants et sous-estimés. Le sujet change à chaque fois : tout dépend de ce qui résonne en moi ou me frappe à un moment donné.
Your choice, 2020 | Inspirée par la collaboration de Travis Scott avec McDonald's en 2020. L'œuvre met en scène le cliché du goût des Afro-Américains pour le poulet frit, alors que le rappeur fait la promotion de burgers et de frites. La cuisse de poulet brandie est une forme de protestation et de clin d'œil, dans l'esprit de « fais le bon choix, souviens-toi de qui tu es ».
Quelle est la dernière exposition qui vous a marqué ?
Au début de l'été 2021, j'ai visité plusieurs musées à Saint-Pétersbourg : Erarta (le plus grand musée privé d'art contemporain de Russie) et l'Ermitage (le plus grand musée d'art au monde). Dans l'ensemble, j'ai aimé, mais peu de choses m'ont vraiment marqué. Cela montre qu'il est impossible de saisir totalement un concept et d'en repartir pleinement satisfait. Une exposition, c'est comme un groupe d'inconnus qu'on découvre, un album de musique ou une carte de restaurant : il y a toujours de l'euphorie, des doutes, et de quoi réfléchir après coup.
Quel est l'aspect le plus gratifiant de ce que vous faites ?
Le plus beau, c'est de pouvoir traduire pleinement mes intuitions dans une peinture. Ce qui m'intéresse, ce n'est pas tant la fabrication de l'œuvre en elle-même que le processus de recherche et le résultat final.
Si vous ne pouviez donner qu'un seul conseil aux autres créateurs visuels de Sketchar, quel serait-il ?
Apprenez, explorez de nouvelles pistes, et n'ayez pas peur de faire entendre votre voix !
L'art de Daniel présenté sur Sketchar
